El arte ha estado relacionado con el ser humano desde tiempos muy remotos. Le significó al hombre un modo de expresión y de comunicación, el cual se manifestó en todas sus actividades, porque fue utilizado invariablemente en distintas situaciones. A través de la historia fue evolucionando hasta lo que hoy en día conocemos.
La arquitectura, la música, la danza, la escultura, la pintura y el teatro de las diferentes épocas enriquecen hoy nuestra vida y nos hablan de lo que fue el pasado. El arte se presenta, de esta manera, como un lenguaje universal.
El arte ha sido explicado por filósofos, artistas, psicólogos y educadores, quienes han aportado concepciones muy diversas. Ha sido considerado como un medio para descargar energías; como una actividad placentera; como una forma de evadirse de la vida; como la posibilidad de alcanzar un orden, una integración armoniosa y equilibrada ante elementos contradictorios o ininteligibles de la realidad; como la posibilidad de lograr un aprendizaje emocional motivante o como una forma de cuestionar lo establecido.
César Lorenzano realiza un interesante análisis de la relación existente entre el arte y el juego. Para el artista, gran parte del placer de la creación consiste en recorrer sus operaciones interiores fundamentales, en exteriorizarlas y en conocerse a sí mismo al objetivarlas. Cuando vuelve a recorrerlas, una y otra vez, infinitamente, mientras domina y transforma artísticamente el material concreto, reencuentra el placer del juego, que consiste en ejercitar los poderes propios y en sentirse causa al "crear" un universo propio y cerrado, como agente causal y libre. En ambos casos creación artística y juego hay ejercicio pleno de las estructuras, de todas sus posibilidades, sin acomodación, sin rectificaciones por el mundo de la realidad en el curso de este ejercicio. En el juego y en esto también coinciden juego y creación artística se ponen en movimiento esquemas afectivos; activarlos continuamente permite exteriorizar la afectividad contenida y, por lo tanto, al mismo tiempo, controlarla; en esto consistiría el efecto catártico del arte y del juego. Sin embargo, la identidad del arte con el juego no es total: en el arte existe la producción de un objeto nuevo, cosa que no sucede necesariamente en el juego.
La educación artística del niño
Antecedentes históricos
En principio y durante veintidós siglos de historia de la humanidad (v a. C., al XVII d. C.), al tratar de colocar el arte al servicio de la educación no se pensó en el educando (niño, adolescente), sino sólo en los aspectos técnicos. En música se les enseñaba casi exclusivamente a cantar y a tocar algún instrumento: no se les enseñaba a oír:
En artes plásticas se les hacía copiar las obras de los grandes maestros (estampas y esculturas) y, como es natural, sólo los bien dotados podían trabajar con este sistema: no se les enseñaba a ver
A partir del siglo XVII, psicólogos y pedagogos ilustres como Juan Amos Commenius, John Lock y J. J. Rousseau, hicieron notar que el arte puede servir como un elemento educativo, destacándose con ello sus dos valores: el artístico-creador-emotivo y el psicopedagógico-expresión-comunicación, insistiendo en la idea de que, siendo medios de comunicación, deben aprenderlos todos, así como se hace con el lenguaje oral y escrito.
Es entonces cuando realmente se empieza a despertar la idea del respeto al desarrollo individual en el terreno educativo, tanto en la concepción como en la apreciación de una manifestación estética y, lo que es más importante, considerar a esta manifestación como parte de una expresión libre, y no como la repetición inútil de cánones estereotipados4.
En la primera mitad del siglo XIX, empezó a gestarse la verdadera pedagogía del arte con base en las ciencias de la educación; se inicia la elaboración de programas partiendo del conocimiento del niño y del adolescente
Estado actual de la educación artística en nuestro medio
La educación artística en el nivel básico se encuentra relegada; se les da prioridad a las otras materias y, de acuerdo al programa, si queda tiempo se dedica a actividades artísticas. Los docentes carecen de una preparación especial en esta área y no existen profesores dedicados específicamente a impartirla, como en el caso de la educación física. La pintura, la danza, la música y el teatro quedan limitados a muy pocos niños que asisten a talleres o institutos especiales, los que no en todas las ocasiones realizan la enseñanza de acuerdo con la pedagogía del arte infantil y la mayoría de éstos cobran por sus servicios.
¿En qué consiste la pedagogía artística infantil?
Enunciamos enseguida algunos principios y criterios relacionados con esta pedagogía:
•La pedagogía del arte infantil se propone apoyar la necesidad natural de expresión del ser humano, ofreciendo múltiples posibilidades de dar cauce a la percepción e interpretación de la realidad por parte del niño.
•Acepta los sentimientos del niño volcados en sus actividades artísticas y entendidas también en el contexto de la etapa de desarrollo en que se encuentra.
•Incluye como uno de sus propósitos fundamentales el desarrollo de la capacidad creadora, estimulando el pensamiento divergente y valorando la originalidad y las respuestas de independencia intelectual.
•Por lo tanto, la pedagogía del arte infantil acepta y promueve las diferencias en los niños procurando inculcar sentimientos de confianza y seguridad en ellos.
•Aquí, la libertad es un valor altamente estimado, enmarcada dentro de límites que ubican a los niños en el ámbito social y les brindan la seguridad de ser respetados y de respetar a los demás.
•Se propicia la cooperación entre los niños como "artistas natos", animando en todo momento sus facultades creativas.
•El valor principal se encuentra en el proceso de la actividad Artística y no en el producto.
La función del docente
Por lo anterior, se deduce que el papel del docente es fundamental, ya que debe ser totalmente congruente en relación con todos los elementos mencionados al contactar a sus alumnos con cualquier actividad artística. El maestro, más que el ser "que sabe todo", debe convertirse en un buen conductor y orientador del grupo, que enseña a aprender.
Con esto es muy probable que tengamos que modificar bastante nuestras actitudes: no dar órdenes o establecer normas rígidamente, sin explicaciones; tampoco el maestro debe imponer su criterio, debe ser flexible y tomar en cuenta las opiniones del grupo; debe ser un animador que ayude al grupo a funcionar; estar abierto al cambio, retomar y analizar las ideas que proporcionan los alumnos, aun las que parezcan más "absurdas" o "imposibles".
Por otra parte, se debe propiciar la participación de todos los integrantes del grupo; hacerles sentir que se confía en ellos y en su capacidad, ya que toda persona tiene algo que enseñar a los demás.
El profesor ha de adaptarse a los niños y no hacer que éstos se acomoden a él; por encima de todo, debe ser profundamente humano y comprensivo, y habrá de tener buen cuidado en no imponer su personalidad al niño, pues cuando así lo hace, aun cuando sea inconscientemente, no permitirá alcanzar la libertad de expresión que busca.
La función del maestro es la de favorecer el autodescubrimiento del niño y estimular la profundidad de su expresión. Al enseñar arte a los niños, un factor muy importante es el propio maestro; sobre él recae la importante tarea de crear una atmósfera que conduzca a la inventiva, a la exploración y a la producción. En las actividades artísticas es, pues, peor tener un mal maestro que no tenerninguno6.El maestro ha de contar también con conocimientos acerca del desarrollo evolutivo del niño y de las etapas de expresión, ampliamente estudiadas en el área de la plástica, la cual incluye el dibujo, la pintura, el modelado y la construcción.
1. ¿QUÉ ES LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y CULTURAL? Es el campo de conocimiento, prácticas y emprendimiento que busca potenciar
y desarrollar la sensibilidad, la experienciaestética, el
pensamiento creativo y la expresión simbólica, a partir de manifestaciones
materiales e inmateriales en contextos interculturales que se expresan desde lo
sonoro, lo visual, lo corporal y lo literario,
teniendo presentes nuestros modos de relacionarnos con el arte, la cultura
y el patrimonio.
Los objetivos de la Educación Artística y Cultural en la Educación
Preescolar, Básica y Media son:
Propiciar estrategias pedagógicas que
desarrollen competencias básicas a través de procesos de pensamiento complejo y
sistémico que permitan la comprensión, análisis e interpretación crítica y
reflexiva de las prácticas artísticas y culturales de los contextos local,
nacional e internacional.
Propender por el desarrollo del ser y del sentir
con base en el fortalecimiento de actitudes ético-estéticas que pongan en
diálogo la experiencia sensible, el conocimiento y la interacción sociocultural
de las prácticas artísticas y culturales; que promuevan en la escuela espacios
de formación ciudadana y de gestión de la diversidad cultural.
Generar condiciones para el desarrollo integral en torno a la Educación
Artística y Cultural como campo de conocimiento.
Por artes plásticas se entiende una clase de arte
al mismo nivel que las artes escénicas, las artes musicales y las artes
literarias. Las artes plásticas se diferencian de todas aquellas en su forma de
expresión, ya que utilizan materias flexibles o sólidas, moldeadas, dispuestas
o modificadas de cualquier otra forma a voluntad por el artista (Definición
tomada de Wikipedia, 13 de marzo de 2012). Es decir que cuando nuestros niños dibujan,
moldean plastilina, o cualquier otro tipo de material que se transforma en una
expresión propia, están desarrollando artes plásticas.
Es importante para el desarrollo de los pequeños
permitirles, los espacios, recursos, la libertad de poder expresarse por medio
de cualquier tipo de manualidad acorde a su edad. Muchos me dirán que eso es
fácil, ya que a todos los niños les encanta. Pero resulta que he visto que no a
todos; no sé bien si es porque realmente no les gusta, o porque los adultos que
los rodean nunca les facilitaron los medios para llevar a cabo estas
actividades y no hablo de simplemente soltarles un trozo de plastilina, o
sentarlos frente a un tarro de pintura papel y pincel, hablo de motivarlos a
desarrollar y crear arte, así esto implique que nos tiremos al piso de vez en
cuando y nos ensuciemos un poco y hagamos junto a ellos un poco de arte, esto
nos permitirá también compartir más con ellos y ¿por qué no?, volver a la
infancia.
Estas actividades son muy importantes para su
desarrollo porque además de la parte emotiva, los estaremos ayudando a reforzar
la motricidad fina y gruesa, les estaremos incentivando a explotar su capacidad
creativa lo que les permitirá encontrar diferentes soluciones a un problema
determinado. Colaboramos también con su aprendizaje, explorando los colores,
las formas, texturas, etc, y también estaremos ayudándoles a incrementar su
nivel de atención y concentración.
Otro de los beneficios que obtenemos con las artes
plásticas, es su actitud persistente ya que llevarán todo el proceso de
planificación, organización y ejecución del proyecto, hasta el final y al mismo
tiempo se reforzará su autoestima al poder observar su obra culminada, como
resultado de su propio esfuerzo y sentirá alegría por darse cuenta de lo que es
capaz de realizar con sus propias manos.
Científicamente se ha comprobado que el arte
estimula ambos hemisferios del cerebro, hay estudios incluso que demuestran que
refuerza en el niño el pensamiento científico, sacándolos de los estereotipos y
rutinas, permitiéndoles superar límites. Se ha observado también, que los niños
que hacen arte, leen mejor y obtienen mejores calificaciones en matemáticas y
ciencias.
Además de ser una actividad muy divertida para
ellos, los beneficios que trae para su desarrollo son muchos y no nos cuesta
tanto dinero, hasta con material reciclado se pueden hacer diversas
manualidades acorde a las diferentes
edades. Por eso es importante saber qué tanto les permitimos o facilitamos a
nuestros niños desenvolverse en estas divertidas e importantes actividades, qué
tanto los estimulamos a realizarlas, pues las necesitan y mucho.
2. BENEFICIOS DE LAS ARTES PLÁSTICAS PARA LA EDUCACIÓN
Demos le un vistazo a los beneficio que obtienes los
estudiantes cuando están expuestos a las artes…
Efectos que se derivan
directamente del aprendizaje de las artes y que inciden en el desarrollo de las
destrezas necesarias para el mundo del trabajo y la sociedad:
Desarrollo de la lectura y el lenguaje: La enseñanza de las artes
complementa el proceso educativo desarrollando las destrezas básicas de lectura
mediante las tareas de descifrar el código fonético a través de la asociación
de letras, palabras, frases, sonidos y significados; además, mejora la
comprensión de la lectura y de la comunicación verbal y escrita.
Matemáticas: La educación musical ayuda
a desarrollar destrezas de razonamiento espacial y espacial-temporal que son
necesarias para el manejo de ideas y conceptos matemáticos.
Capacidades y destrezas fundamentales de
pensamiento:El aprendizaje de las
diversas formas artísticas fortalece capacidades cognitivas esenciales, tales
como razonamiento condicionado, ordenamiento mental para la solución de
problemas y pensamiento creativo.
Motivación para aprender: El aprendizaje artístico
fomenta la curiosidad por el conocimiento, fortalece las metas personales,
profundiza la perseverancia, desarrolla la disciplina, aumenta la capacidad de
atención e incrementa la retención escolar.
Conducta social: La enseñanza de las artes
estimula el fortalecimiento de la autoestima, amplía la conciencia de la propia
identidad y desarrolla las destrezas de auto-control. Estos elementos propician
un mayor grado de aptitud para la solución de problemas y conflictos, impulsa
una mayor inclinación hacia el trabajo en colaboración y lleva a la tolerancia
y la empatía social.
Ambiente escolar: La enseñanza y el aprendizaje
en las artes promueven un ambiente de colaboración entre maestros y estudiantes
facilitando estrategias docentes innovadoras, desarrollando una cultura
profesional positiva y mayor compromiso con la comunidad.
De este conjunto de
elementos se deriva un sentido de pertenencia a la comunidad escolar que
contribuye a la retención de los estudiantes. Así pues, la educación artística
propicia el desarrollo de otras capacidades cognitivas y sociales, que
normalmente, no se desarrollan en otras asignaturas, como lo son:
Patrones
de memoria
Estructuras
de pensamiento
Habilidad
para desenvolverse dentro de las limitaciones de un contexto
Capacidad
perceptiva analítica
Habilidad
para percibir y enfocar el mundo desde un punto de vista ético y estético
Percepción
de relaciones
Atención
al detalle
Imaginación
como fuente de contenido
Habilidad
para visualizar situaciones
Predecir
lo que resulta de acuerdo con una serie de acciones planeadas
tomado: Marco
Curricular Programa de Bellas Artes (2003) PRShare this:
3. LA EXPRESIÓN PLÁSTICA, ACTIVIDAD LÚDICA EN LOS
NIÑOS PEQUEÑOS.
Desarrollo de la capacidad de creación y percepción.
El arte para los niños significa un medio de expresión que realizan
naturalmente y en forma de juego en el que vuelcan sus experiencias, emociones
y vivencias. Muchas veces descubriremos que el niño se expresa gráficamente con
más claridad que en forma verbal siendo una actividad de la que disfrutan
enormemente.
Consideraremos el juego como aquel conjunto de operaciones coexistentes e de interacción
en un momento dado por las que un sujeto o grupo en situación logran satisfacer
sus necesidades, transformando objetos y hechos de la realidad y de la
fantasía. Esta conducta, para su realización, necesita del más alto grado de
libertad interna y externa con respecto a la persona o grupo que la ejecute.
Elvira Martínez y Juan Delgado en su libro “El origen de la expresión”
analizan el significado de la expresión plástica en el niño desde tres
aspectos:
Un medio de expresión y comunicación de sus vivencias, un lenguaje
del pensamiento.
La expresión se vincula a su desarrollo y a su cambio. Por medio del dibujo el
niño cuenta, informa sus impresiones de los objetos a veces de forma más clara
que verbalmente.
Un proceso en el que toma diversos elementos de la experiencia y les
otorga un nuevo significado. Los transforma. Entonces cada experiencia
significativa le aportará nuevos datos que serán vivenciados. Estas
experiencias irán modificando sus esquemas y enriqueciéndolos. Es aquí donde el
arte interviene para contribuir al desarrollo, ya que se producirá aprendizaje
en la interacción del niño y el ambiente.
Una actividadlúdica donde las actividades gráfico plásticas
representan un juego, estimulan el desarrollo motriz y se convierten en
acciones útiles para la enseñanza de otros conocimientos. En ellas intervienen
sensaciones, percepciones, y el pensamiento.
Analizados estos aspectos se puede comprender porqué el arte o la expresión
artística se convierten en una actividad con un rol potencial en la educación
de los niños.
Sin embargo a partir de las significaciones y lo que representa la expresión
infantil, como padres y docentes es necesario tener en cuenta las distintas
evoluciones o etapas de la expresión y evolución del niño.
Se coincide en llamar la Etapa del Garabato la que comprende
aproximadamente de los dos a los cuatro años. Si tenemos en cuenta que la
manifestación artística se nutre de la percepción consideraremos que la
expresión comienza cuando el niño empieza a explorar su mundo por sus medios:
tocar, morder, chupar, escuchar, mirar. Y continuará cuando realice su primer
registro en un piso, pared o papel.
Investigaciones realizadas por autores como Lowenfeld y Brittain profundizan
sobre el desarrollo de la expresión infantil, definiendo dentro de la etapa del
garabato según la edad y la motivación del niño “el garabato desordenado”, “el
garabato controlado” y por último “el garabato con nombre”. Es durante esta
etapa donde los gráficos que realice el niño tienen que ver con sus movimientos
corporales. La expresión plástica se convierte en una actividad kinestésica que
disfruta por el hecho de realizarla y moverse.
A los cuatro años hasta aproximadamente los seis transcurre la etapa
preesquemática, en la cual el niño comienza a crear formas, consciente. Trata
de establecer relaciones con lo que intenta dibujar.
Es importante tener en cuenta que la producción gráfica del niño no puede
desvincularse del proceso de percepción. Nos nutrimos de los que vemos,
miramos, tocamos, escuchamos, aprendemos, modificamos, sentimos, vivimos.
¿Qué significa desarrollar la expresión artística?
A partir de los estímulos visuales los niños decodifican la información del
entorno. Los grafismos y las pinturas, lenguaje por medio del cual el niño se
comunica y expresa, es uno de los ejes de la expresión artística que se nutre y
viceversa con el hecho perceptivo y receptivo.
Investigaciones y experiencias demuestran que la reflexión, la formulación
de hipótesis, la emisión de conceptos, la percepción y el análisis lógico de
las imágenes se encuentran latentes en los niños pequeños. , esto nos permite
replantearnos algunas prácticas pedagógicas. Propiciar actividades que coloquen
al niño frente a situaciones enriquecedoras de percepción, imaginación,
sensibilidad, juicio crítico y estético.
Las propuestas educativas que se proponen desarrollar las capacidades de
creación deben contener estos ejes, que promuevan la percepción y la producción
al mismo tiempo, atendiendo a las etapas de desarrollo correspondientes, en un
contexto de juego, teniendo en cuenta que la expresión significa todo lo que se
ha expuesto anteriormente.
Actividades que pueden realizarse en el Jardín de Infantes y que atienden
las distintas necesidades de expresión.
Acentuando la importancia de abarcar actividades que atiendan las distintas
necesidades de la expresión artística en lo concerniente a la percepción y la
creación se sugieren algunas actividades generales que pueden proyectarse
realizando los ajustes correspondientes al niño, el nivel, su particularidad,
la institución, el grupo, etc.
Lectura y comentario de láminas:
Son innumerables las actividades que pueden realizarse con la lectura de
imágenes, buscando que los niños disfruten y valoren la creación a través de
las sensaciones y emociones que les trasmiten las diferentes obras.
Podemos pensar en la creación de cuentos breves para contarles la vida y obra
de algún pintor, o crear cuentos con los niños a partir de las imágenes que
vemos. Trabajar con distintos elementos plásticos de las obras haciendo
hincapié en alguno en especial que se desee enseñar motivando a los niños para
luego facilitarles materiales plásticos con los que se expresen en función de
la actividad.
Otros lenguajes artísticos como la música son interesantes para incluir durante
la lectura de obras, ya sea para acompañar los comentarios de los niños o
incluir en los cuentos o relatos del docente o del grupo.
Visitas a exposiciones de arte.
Esta experiencia es enriquecedora para los niños pequeños tanto por las obras
que verán hasta por la oportunidad de recorrer un museo, galería o centro
cultural. Es provechoso escuchar y atender a sus comentarios y preguntas. Los
docentes pueden preparar actividades previas a la salida, generar un espacio
para explicarles sobre el hecho de visitar, recorrer y mirar un lugar donde se
exponen obras. Durante la visita pueden conversar y contarles a los niños sobre
lo expuesto.
Recorridos virtuales.
En Internet encontramos sitios de multimedia que por medio del sonido, la
imagen, y la animación permiten acceder a los niños a las expresiones
artísticas más variadas. También encontramos sitios de museos de todo el mundo
que permiten un traslado virtual a través de salas y pasillos para observar
objetos de arte y pinturas.
Visitas a talleres de artistas locales.
Donde los niños tengan la oportunidad de escuchar a los artistas en su ámbito;
qué hacen, cómo trabajan, con qué trabajan e incluso que puedan mostrarles la
realización de obras o proyectos terminados. También se puede organizar que los
niños lleven algunos de sus trabajos para mostrarles a los artistas.
Organización de exposiciones en la sala o en el jardín.
La organización de una exposición tiene múltiples aspectos que pueden
trabajarse en el jardín incluso después de haber asistido a exposiciones.
Qué queremos exponer, cómo se exponen las obras y/o trabajos, cómo indicamos a
los que visitan nuestra exposición que el trabajo es nuestro, cuáles son los
títulos de los trabajos y cómo se los indicamos. Podemos incluso pensar con los
chicos en la música que puede ambientar la exposición y trabajar con el docente
de música.
En la sala, un espacio más íntimo para el grupo, se pueden realizar exposiciones
previas a las abiertas a la comunidad educativa. Colgar los trabajos de todos y
pensar en lo que vemos durante un momento. Propiciar reflexiones sobre el
trabajo personal. Generar espacio para los comentarios. Que los chicos cuenten
qué pintaron, luego comentar sobre lo que vemos en la pintura de algún
compañero.
Es importante tener muy en cuenta las etapas y los niveles para realizar
actividades pertinentes o adaptarlas.
Actividades de expresión.
Por último las que abarcan las necesidades de expresión del niño.
Las destacaremos como oportunidades en la cual el niño experimente con
distintos materiales, temáticas, y formas de trabajo diversas que amplíen sus
experiencias.
Las actividades se han descrito en forma sintética y general por separado para
facilitar su explicación, eso no quiere decir que se sugiera su trabajo
aisladamente del resto, por el contrario, para lograr experiencias
enriquecedoras y creativas éstas tienen que mantener sus conexiones e ir
enmarcadas en un proyecto con objetivos, expectativas y metas definidas por el
educador.
4.
¿QUÉ ES LA
EDUCACIÓN MUSICAL? Para
Edgar Willems la música está relacionada con la Naturaleza humana,
ya que despierta y desarrolla las facultades del hombre. HombreMúsica Instinto
Ritmo Afectividad
Melodía Intelecto
Armonía SU DESEO ES:
·Contribuir
a la apertura general y artística de la persona, en su unidad y unicidad.
·Desarrollar
la memoria, la imaginación y la conciencia musicales.
·Preparar
el canto coral, al solfeo, a la práctica instrumental y a la armonía.
·Favorecer
la “música en familia” así como los diferentes aspectos sociales de la vida
musical.
¿CÓMO? La
formación la enfoca en el sentido de una triple búsqueda: Búsqueda de unidad entre los principios
pedagógicos puestos en evidencia por E. Willemsy los que presiden los
diversos aspectos de la formación: partir de la vida y de sus lazos con la
música, privilegiar la expresión del ser en sus motivaciones profundas,
cultivar el buen contacto relacional asociado a la exigencia justa. Búsqueda de Libertad: la de los
participantes ante lo que se les propone, ante las formas a recrear por sí
mismos, con su interioridad propia y en su contexto preciso; también la de los
formadores, para preservar la evolución de los cursos hacia una constante
perfeccionamiento, a fin de alcanzar cada vez mejor los objetivos en función de
las necesidades de los participantes. Búsqueda de energía en uno mismo a través de la música: necesaria para la
adquisición de una competencia musical equilibrada en todos los campos y para
un dominio pedagógico de la progresión. CONDICIONES PARA APLICAR EL MÉTODO WILLEMS El método requiere dos
condiciones básicas: A)
Conocer profundamente los principios psicológicos de la educación musical.
Principios basados en las relaciones existentes entre los elementos
fundamentales de la música y aquellos pertenecientes a la naturaleza humana.
(Ver resumen). B)
Disponer de un material musical adecuado para emprender la educación sensorial
del niño.
LAS ETAPAS EVOLUTIVAS DEL MÉTODO Según
un proceso continuo de vida, el método Willems se puede separar en cuatro
etapas evolutivas, siguiendo el desarrollo del niño: 1ª Etapa: Antes de los tres años. Será
importante el papel de la familia y especialmente, el de la madre, que
representa la base más importante para el desarrollo musical del niño. Así,
serán aprovechadas lo más pronto posible las rondas, las canciones de cuna y
los cantos breves. 2ª Etapa: Desde los tres hasta los cinco, o desde los cuatro
hasta los seis años. Se
trabajará en clases individuales o en grupos pequeños de cuatro o cinco
personas. En
esta etapa, Willems presta especial importancia a los cantos. También se
trabajará la educación rítmica basada en el instinto del movimiento corporal
natural. El oído se trabajará con la ayuda de diversos instrumentos sonoros y
la entonación de las canciones. En
cuanto a este aspecto, hay que señalar que no se pretende que entonen
estrictamente bien, basta con proponer al niño que cante bien, adquiriendo una
buena postura y con una voz bonita. 3ª Etapa: Desde los cinco hasta siete o desde los seis hasta
los ocho años. Esta
etapa ya debe trabajarse en las escuelas de música o en las clases
particulares. Ahora
Willems propone amplificar todo lo dado anteriormente, al mismo tiempo que
comprender el aspecto teórico y abstracto del ritmo y la audición. Se
empezarán a marcar los compases y se escribirán algunos valores de figuras. 4ª Etapa: La introducción al solfeo. El
solfeo propiamente dicho, vendrá después de un adiestramiento cerebral activo,
basado en el instinto rítmico y el oído. EL SONIDO Willems declara que el tacto y la vista deben estar al
servicio de los sonidos percibidos por el oído. En este aspecto, hay un debate
que se mueve entre dos corrientes: ¿El instrumento al servicio de la música o
la música al servicio del instrumento? Claramente el método Willems propugna la
vigencia de la música por encima de cualquier otro constituyente. Así
mismo, nos dice que hay que despertar en el niño el amor por el sonido, por
escuchar los sonidos. Los alumnos deben aprender a prestar atención a todos los
ruidos que emite la naturaleza. Debemos poner al niño en contacto con los
objetos sonoros y ver sus reacciones. Por
otro lado, cuando el alumno llega a la clase de música es importante hacerle
saber a qué viene, es necesario que viene a hacer música, y no a una clase que sólo sirve
como divertimento, ya que la práctica musical influye en los sentimientos, en
el espíritu y en el corazón de la persona. Audición Willems
incluye, en su método los siguientes aspectos: El movimiento sonoro: ascensos y descensos
del sonido Aislar sonidos (identificar): relación en
cuanto a duración, intensidad, altura y timbre. Reproducir intervalos melódicos Recrear timbres (igualar por pares,
realizando parejas con timbres similares) Invención melódica, colectiva e individual. MATERIAL AUDITIVO El
material auditivo que nos propone Willems costa de objetos que se utilizan en
la vida cotidiana, objetos que nosotros mismos podemos fabricar: campanillas,
silbatos, trompetas, molinillos, trompos musicales, xilófonos y metalófonos. La
única premisa para utilizar el material es el buen conocimiento, por parte del
profesor, del uso del material. Mediante
este material se establecerán las bases rítmicas y auditivas del arte de la
música. Una
buena actividad auditiva y de interpretación es la imitación de los sonidos de
animales, especialmente para aquellos niños a los que les cuesta cantar.
EL RITMO El choque sonoro y la escucha rítmica. El
ritmo se actualiza normalmente por el movimiento ordenado. El ritmo musical
requiere, además, sonidos provocados por el contacto sonoro con un obstáculo.
Por esto, el primer elemento del ritmo musical es el choque sonoro, que debería
ser inventado por los propios niños para interiorizarlos mejor. En
la educación del niño, la escucha rítmica es particularmente favorable para
obtener una buena actitud receptiva auditiva.
El ritmo sonoro libre. Partiendo
del choque sonoro libre, practicaremos el ritmo sonoro libre, utilizando ante
todo las manos, de distintas manera. Con onomatopeyas: trabajando según estos
principios: Repetición, alternancia, contraste de intensidad, velocidad, eco,
pregunta y respuesta. Ejemplos: Con
la mano: PAM - PAM Con
los pies: BUM- BUM Con
los nudillos: TOC - TOC .... (La
emisión de las onomatopeyas se realizará conjuntamente con los choques). Motivos
de la vida: Los
cohetes y petardos (estallidos): FFFFF Tormenta:
un rayo PCHITTTTT Con
todos estos elementos, se desarrollarán convirtiéndose en frases
onomatopéyicas-rítmicas. El niño por si mismo caerá en la cuenta de una fórmula
lógica (a menudo prisionera de un ritmo ternario): Ejem: Tip-Tip-Tip ;
Bum-Bum-Bum ; ... La
dinámica de los choques podrá cambiar a la orden de “hop”. La alternancia de manos: juega un papel importante en la rapidez de
la ejecución de los choques, puesto que resulta difícil realizar ciertos
patrones rítmicos con una sola mano. Es
importante destacar la riqueza de las onomatopeyas en las cantinelas y
estribillos de canciones, por ejemplo: Matarile-rile-rile
; Pito-pito-gorgorito ; ... Después
de trabajar los choques (con el propio cuerpo), se poseerá una mejor
predisposición a la hora de enfrentarse con los instrumentos de percusión. Representación gráfica de las cualidades del sonido: los grafismos deben ser
realizados por los propios niños, una vez que hayan descubierto, con un ejemplo
del profesor, la cualidad del sonido a representar (corto-largo,
acelerando-rallentando, lento-rápido, ...). Hay
que despertar el interés por el movimiento acompasado y por el moverse con
canciones o ritmos, siempre partiendo de su ritmo biológico. En
cuanto al ritmo, Willems destaca el instinto rítmico, el cual suscita
movimientos que deben ser sentidos y realizados corporalmente por el niño, este
trabajo ayudará a una mejor adquisición de su esquema corporal. Willems
nos da tres aspectos teóricos en cuanto al ritmo, aspectos que deben ser
tratados simultáneamente al caminar: Tempo: Da el sentido rítmico general de la canción. El niño adquiere
la conciencia de la rapidez de los golpes (con un tempo lento-rápido) Compás: unidad temporal que puede ser sintetizada por el
primer tiempo. Los niños contarán sólo el primer tiempo cuando canten o caminen
( con los pasos). Subdivisión de los tiempos: unidad más pequeña que la
del Tempo, divide a éste en dos o tres pulsaciones. “La
melodía y la armonía no podrían existir sin la presencia del ritmo, del tempo”
LAS CANCIONES: SENSIBILIDAD, RITMO, ACORDE,... Las canciones se presentan en el método Willems como una herramienta
de globalización, implicando en estas, la sensibilidad, el ritmo, sugiriendo el
acorde y haciendo presentir las funciones tonales. Hay varios tipos de
canciones que intervienen en la formación musical del niño: Canciones populares tradicionales: Los niños aprenden estas
canciones generalmente en su hogar. Aquí las palabras juegan un papel
primordial, a veces más que la correcta entonación y afinación. Estas canciones
deberían ser y constituir una base auditiva, para propiciar luego el camino hacia
la enseñanza de un instrumento, y nunca al revés. Canciones sencillas para principiantes: A pesar de que las
canciones populares no aportan material para un trabajo auditivo, a algunos
principiantes les cuesta emitir hasta los sonidos más sencillos. Esta es la
razón de ser de estas canciones sencillas. Estos temas están caracterizados por
tener pocas notas y pequeños saltos. Cada profesor debería inventarse sus
propias canciones sencillas según las necesidades que tenga sus alumnos. Canciones que preparen para la práctica instrumental: Son canciones sencillas
que tienen distintos intervalos: de la tónica a la dominante, servirán para
tocar en el piano con los cinco dedos. Ya de ámbito más extendido encontramos
de la tónica a una octava. Canciones de intervalo: Para estudiar los intervalos. Son
aquellas canciones que comienzan por: La 2ª mayor, 3ª mayor menor, 5ª, 6ª,7ª
menor y 8ª. La
evolución de estas canciones sigue este esquema: Cantar
con sus palabras Cantar
con “la, la, la....” Cantar
con el nombre de las notas Con especto al ritmo encontraríamos: Canciones mimadas: Son canciones cuyo objetivo es establecer un
vínculo entre el sentido de las palabras y la mímica ( el rostro y el cuerpo
ayudan a que la canción adquiera vida) Canciones
ritmadas: El objetivo de estas canciones sería desarrollar el instinto del
ritmo musical basado en el movimiento natural (que parte del impulso físico).
Esto se puede complementar con movimientos sencillos, movimientos de brazos, y
parte superior del cuerpo, golpes de manos, pequeños saltos,...
LA VOZ Tendrá
poca importancia con los más pequeños. Lo único que buscaremos será la correcta
posición del niño al cantar. Que se mantenga derecho, que cante suavemente con
una voz linda y no con esa fea que entona a veces. No hay que limitarse a la
quinta, es un método más flexible.
EL OÍDO Para
Willems la audición interior es la base de la inteligencia auditiva. Se trata
de un acto sensorial y no tanto mental afectivo: Escuchar
y reconocer. Reproducir
los sonidos (onomatopeyas) El
sentido de la altura: El profesor debe establecer la diferencia entre timbre,
altura e intensidad. Quizás
lo más difícil es adivinar de que canción es el ritmo que se golpea, éste debe
ser un trabajo progresivo para poder afianzar y desarrollar la memoria
auditiva. Ejemplos:
·El
juego de Simón dice con choques
·Alternar
ritmos y pensamientos (silencios) del mismo.
DE LA INTENSIDAD Y EL TIMBRE El
niño se suele sorprender más por el timbre, que constituye, a menudo el primer
punto de referencia para este. El
timbre y la intensidad no deben preocuparnos mucho de momento, pero si la
altura. INTERVALOS
Y ACORDES Al
principio sólo consideramos los intervalos melódicos y los acordes quebrados (
tomados melódicamente), es decir, entonar cada nota del acorde espaciadamente y
no de forma simultánea. A continuación se les presentará los intervalos
armónicos y los acordes. ASOCIACIONES Las
asociaciones consisten en relacionar las nociones abstractas con lo concreto.
Evolución correcta:
ESCRITURA
SONIDO INSTRUMENTO (Vista
concepto) (Imaginación auditiva- (Vista y tacto Audición) Errores de asociación: 1
= Do, 2 = Re... (Confusión tonalidades y funciones tonales) Asociaciones
de sonidos son colores: Do = colorado, Re = anaranjado... Utilización
de la escala con escalones más próximos: inexactitudes psicológicas. Fonomímia;
asociar la altura de los sonidos con lugares determinados del cuerpo. Etc...
DATOS TÉCNICOS Y PROPUESTAS Edad
a la que se puede empezar el método: Tres años. Número
ideal de alumnos: De 4 a 5 alumnos. Duración
de las sesiones: De 45 minutos a una hora, una vez a la semana.
PREMISAS
Seguir
al niño, adaptarse a él No
forzar jamás al niño No
es más importante darles, sino permitirles tomar. Ilustrar
al niño con las palabras relacionadas con la música: Música, sonido, ruido,
escala, acorde, ritmo, alto y bajo, fuerte y débil,... El fin del método Willems, es conseguir en el
alumno las siguientes capacidades: Escuchar Mirar
fuentes sonoras Retener
sonidos Sensibilizarse Reproducir,
comprender e inventar Aprender
a leer signos Escribir
dictados musicales Inventar
melodías (componer)
3. Centro de Referencia Latinoamericano para la
Educación Preescolar
Sobre
la educación artística de los niños en la edad temprana y preescolar. Lic. Bárbara Andrade Rodríguez.
La
educación estética constituye una disciplina científica que estudia las leyes
del desarrollo del arte y su estrecha relación con la realidad, está vinculada
a la vida, a las relaciones humanas, al trabajo, a la ambientación escolar, a
la ética, a la moral. El
hombre desde que nace se relaciona con un ambiente estético determinado, en la
familia recibe las primeras nociones sobre moral, folklor, tradiciones, etc.,
pero es en las instituciones donde se continúa e introducen nuevos elementos
que permiten el desarrollo de un individuo estéticamente preparado para
apreciar, comprender y crear la belleza en la
realidad.
La
educación estética se refiere en sí a la formación de una actitud ética y
estética hacia todo lo que rodea al individuo. Un desarrollo estético correctamente organizado está unido
siempre al perfeccionamiento de muchas cualidades y particularidades físicas y
psíquicas de los niños de todas las edades y tiene especial relevancia en la
etapa preescolar, pues en esta precisamente se sientan las bases de la futura
personalidad del individuo.
Las
impresiones artísticas que los niños reciben perduran por mucho tiempo, a veces
impresionan su memoria para toda la vida. Aquellas que no poseen un gran valor
estético le pueden distorsionar el gusto, crearles falsos criterios artísticos.
Es por ello que la educación estética no debe considerarse solamente como un
complemento de los aspectos que componen la formación integral del individuo,
sino como una parte intrínseca, inseparable de cada una de las actividades que
inciden directa o indirectamente en la formación del niño.
Las
teorías principales de la educación estética son:
Desarrollo de la
percepción estética, los sentimientos y las ideas.
Desarrollo de las
capacidades artístico-creadoras.
La formación del
gusto estético.
Estas
tareas deben cumplirse esencialmente en el proceso educativo, como un gran sistema donde influyan otras áreas del desarrollo,
actividades y otros factores como la familia, los medios de difusión masiva,
entre otros.
La
vía fundamental para lograr una educación estética es la educación artística.
La primera es una resultante, la segunda es el medio más importante para
alcanzarla. La
educación artística forma actitudes específicas, desarrolla capacidades,
conocimientos, hábitos necesarios para percibir y comprender el arte en sus más
variadas manifestaciones y condiciones histórico-sociales, además de
posibilitar la destreza necesaria para enjuiciar adecuadamente los valores
estéticos de la obra artística. Para
que una obra sea percibida en su totalidad tienen que estar presentes: el
cuadro, el intérprete y el público (nosotros los educadores somos los
encargados de formarlos).
La
educación artística se expresa a través de sus medios expresivos que son la
plástica, la danza, el teatro, la literatura y la música. En
la plástica se expresa mediante el dibujo, la pintura, la escultura, el óleo,
la tempera, la plastilina, el barro y otros materiales. Los museos, las
galerías de arte, las revistas, las exposiciones, etc., permiten el disfrute de
esta manifestación.
En
la danza se expresa mediante movimientos corporales que siguen rítmicamente las
audiciones de diferentes géneros. En
el teatro se expresa fundamentalmente mediante la palabra y el gesto, su obra
se realiza en distintos escenarios. En
la literatura se expresa fundamentalmente mediante la palabra. Disfrutaremos de
ella a través de novelas, cuentos, obras dramáticas, en vivo o a través de los
medios de difusión masiva.
En
la música podrá expresarse mediante el canto o la ejecución de diversos
instrumentos, por otra parte es posible disfrutar de ellos a través de
audiciones, conciertos, etc. Es
esta última forma expresiva del arte la que nos ocupa para nuestro trabajo,
pero sucede que la música tiene dos vertientes fundamentales con diferencias y
semejanzas, con puntos convergentes e interrelación dialéctica.
La
primera vertiente es la enseñanza de la música y la segunda es la Educación
Musical. La primera está encaminada a formar músicos especializados,
proporciona los conocimientos técnicos necesarios al músico profesional, se da
en escuelas especializadas también, donde se imparten asignaturas propias de la
carrera (armonía, contrapunto, instrumentos, etc.).
La
segunda (Educación Musical) se da en todas las enseñanzas, juega un papel
fundamental en la formación integral del individuo, no solo en las actividades
específicamente musicales, sino además en la ampliación de su percepción
general, visual y auditiva, favorece el estado emocional, el desarrollo físico
y la capacidad creadora.
La
misma contribuye al desarrollo general del individuo, fundamentalmente en las
edades preescolares, está encaminada a educar musicalmente de forma masiva a
niños, jóvenes y adultos; la base fundamental es el canto, el ritmo, la
expresión corporal, la creación, la apreciación, el análisis de obras musicales
y la ejecución de instrumentos musicales sencillos, de fácil manejo para los
niños que posibilitará hacer música de un modo vivo y creador.
No
está limitada para niños que tienen determinado interés hacia la música, está
dirigida a todos en general y su principal objetivo es educarlo musicalmente,
así como desarrollar las capacidades, conocimientos, hábitos y habilidades que
le permitirán tener una valoración musical de la realidad, a partir de la
vivencia del fenómeno sonoro, lo que garantiza poseer valoraciones respecto al
hecho sonoro en su conjunto.
Tareas de la Educación Musical.
1.
Desarrollar la percepción auditiva, los sentimientos, la sensibilidad y el amor
por la música. 2.
Desarrollar las capacidades artístico-musicales. 3.
Desarrollar el gusto musical.
Hemos
visto que es un hecho incuestionable la interrelación de la Educación Musical y
la enseñanza de la música, ya que esta última proporciona los elementos
técnicos necesarios al músico profesional (para que éste lo revierta en el
público educado musicalmente) y a la dirección del proceso pedagógico, ya que
los docentes necesitan tener una preparación técnica adecuada para educar a sus
alumnos. A su vez, de la masa educacional surgirá el
público sensible y los
futuros profesionales de la música.
Comportamiento de la Educación Musical en las
edades preescolares.
La
Educación Musical está presente en todo momento de la formación integral del
niño, la que en unión de otras áreas de desarrollo contribuye a formar
convicciones, valores, sentimientos, imaginación, desarrollan procesos
psíquicos tales como memoria, atención, etc., pero especialmente la Educación
Musical propicia en los niños alegría, eleva su estado emocional y desarrolla
las capacidades artístico-musicales.
Por
ser la etapa preescolar la de un intenso desarrollo de los procesos psíquicos,
es de vital importancia ofrecerle patrones positivos, ya que en la primera
etapa (edad temprana) prevalece el pensamiento en acciones, aquí debemos
ejecutar acciones musicales con objetos (peloticas, muñecas, juguetes, etc.),
estos patrones a los que nos referimos son lógicamente brindados por la
educadora, que debe tener en cuenta aspectos que van desde la suavidad de su
rostro, de su tono de voz al hablar o cantar, hasta la certeza al seleccionar
estos objetos o juguetes que le mostrará al pequeño.
En
la segunda etapa del desarrollo del niño prevalece el pensamiento en imágenes,
ya que este niño tiene mucho más desarrollado su caudal de conocimiento
adquirido en la primera etapa, su actividad fundamental es el juego, se expresa
con coherencia, sus procesos psíquicos están en constante función y la música
influye en este sentido ya que al escuchar una canción y luego el niño al
reproducirla utiliza la memoria, el pensamiento, la imaginación y llega o puede
llegar a crear sus propios ritmos o frases en el canto al finalizar la etapa.
Es
necesario recordar el papel orientador del adulto en la actividad pedagógica con
el niño pero recordando siempre que el niño no es un ente pasivo en esta
actividad, sino por el contrario, un protagonista de sus propias acciones sobre
la base de las vivencias y experiencias acumuladas; es por esta causa que
debemos dejar que el niño tenga cierta independencia y creación.
La
actividad de Educación Musical está presente en todo momento del día, ya que
los niños cantan, bailan, palmean o dicen sencillamente frases de canciones en
sus juegos, en sus procesos de aseo, alimentación y, por qué no, dormirse
arrullados por una canción de cuna.
Objetivos generales de la Educación Musical en la
edad preescolar.
Manifestar
desarrollo de sentimientos y gusto estético al ser capaz de:
Escuchar con agrado
distintos tipos de obras musicales.
Mostrar un desarrollo
del oído musical que le permite entonar melodías y reproducir diversos
ritmos.
Principios en que se basa la Educación Musical.
Son
los mismos de la educación en estas edades, que se particularizan en esta área
de desarrollo.
Desde
el primer año de vida el niño escucha canciones, música instrumental, etc., de
manera inconsciente se inclina por lo brillante, atractivo; el arte es, para
él, fuente de alegres vivencias. De esta impresión auditiva, inconsciente, él
pasa a la reacción consciente hacia la música, mediante una adecuada educación
musical. Su
correcta organización y sistematicidad en el proceso educativo da como
resultado el cumplimiento de estas tareas.
A
la educación musical se han dedicado muchos pedagogos musicales. Cada país
concibe la Educación Musical con características diferentes que responden al
sistema social imperante a los objetivos de la educación, y a la idiosincrasia
de su pueblo, con especial énfasis en las tradiciones, costumbres y el folklor,
entre otros elementos.
Diversos
pedagogos plantean el papel decisivo del medio musical donde se desarrolle el
niño y convergen en plantear la adecuada educación musical desde los primeros
días de nacido, consideran el canto como el eje central de esta educación, así
como que la música
debe ser parte de la vida diaria del niño.
Entre
los principales músicos y pedagogos musicales que han ofrecido diversos aportes
a la Educación Musical, hasta conformar la de nuestros días tenemos a:
Zoltán
Kodaly (1882-1967). Húngaro. Compositor y pedagogo musical. Creó un método de
enseñanza de canto y solfeo partiendo del folklor de su país; creó coros
infantiles y juveniles, propuso actividades de entrenamiento auditivo y de
canto. Utilizó la fonomimia (utilización de signos manuales para representar la
música, los sonidos) para aprender a leer música.
Carl
Urff (1895-). Alemán. Compositor y pedagogo. Utiliza un método basado en el
ritmo de la palabra que combina con movimientos. También utiliza el canto y la
ejecución de instrumentos muy sencillos pero de alta calidad sonora, que
favorecen el desarrollo del oído musical. En su método la creación y la
improvisación también tienen gran importancia. Su aporte principal es la
percusión corporal en cuatro planos (pies, manos, dedos y rodillas), utilizaba
el cuerpo como instrumento.
Emille
Jacques Dalcroze (1865-1950). Suizo. Denominado el "padre de la
rítmica"; fundamenta el ritmo como uno de los aspectos esenciales de la
educación musical; creó el método de "Euritmia" (es un nuevo arte que
busca representar el movimiento de la música a través del movimiento corporal).
Su método parte del ritmo interno del individuo. Creó juegos musicales para la
audición.
Patricia
Stokoe (1919-1996). Argentina. Su eje central es la expresión corporal, fue la
que creó este término; planteó que el niño es fuente-instrumento e
instrumentista. Fundadora de la danza creativa en los niños preescolares.
Héctor
Villalobos (1887-1959). Brasileño. Su aporte fundamental es el canto coral.
Organizó coros orfeónicos de 1200 voces, empleó recursos percusivos, sílabas y
palmadas; apoyaba la música folklórica. Fundó el Conservatorio Nacional para
formar maestros de coro.
César
Tost . Mexicano. Creó la micropauta como método (una sola línea, donde la
figura musical tiene el valor de siempre, pero la altura la pone el alumno).
Educador musical durante dos décadas, se basaba en dos principios
fundamentales: lograr la musicalización mediante el ejercicio de la propia
música y basar esta teoría en el uso preponderante de instrumentos mexicanos;
aplicó el uso de la disonancia, de elementos extramusicales (teatro, danza).
Murray
Schaffer (1933-vive). Canadiense. Ecólogo acústico. Su aporte fundamental es
sobre el componente acústico. Plantea la relación del hombre con el medio
sonoro, estudia los ruidos y los diseños acústicos, hace énfasis en el
"paisaje sonoro", el "relato sonoro" (secuencia) y el
"poema sonoro". Habla sobre la importancia de la limpieza del oído.
Violeta
Gemsy de Gainza (¿-vive). Argentina. Es una de las pedagogas que más ha
aportado a la concreción y completamiento de la actividad de la Educación
Musical, a la que ve como una actividad integradora, no tomando como eje
central ningún componente específico, sino que le da importancia a todos; es
quien define los objetivos de la educación musical, concede importancia al
lenguaje oral, al folklor, al papel del maestro; trabaja con el ritmo, la
creación de bandas rítmicas, con el canto infantil, la lectoescritura con o sin
pentagrama, utiliza la palabra ritmada, le concede importancia a la
improvisación y sobre todo aboga por comenzar la Educación Musical desde las
edades más tempranas.
De
todos ellos y otros, como Dimitri Kabalisvki, Rudolf Lavan, Bila Bartök, etc.,
es que se ha ido conformando la actividad de educación musical de nuestros
días. Recordamos
que sus componentes fundamentales son:
Desarrollo del oído
musical.
Desarrollo de la voz.
Desarrollo de la
educación rítmica.
Desarrollo de la
expresión corporal.
Cada
uno de estos componentes tiene su propio contenido y sus metodologías
específicas para enseñar de forma más asequible, a nuestros niños.
En
el desarrollo del oído musical están presente las formas expresivas, los tipos
de audición y las diferencias sustanciales, valorativas y relativas de las concepciones
actuales sobre el concepto de sonido, sonido musical y el ruido.
Las
formas expresivas de la audición son: 1.
Percepción del entorno sonoro. 2.
Percepción sonora corporal. 3.
Percepción sonora de los objetos. 4.
Audición de obras musicales. Tipos
de audición: 1.
Sensorial. 2.
Racional. 3.
Creadora.
Al
abordar los conceptos de sonidos y ruidos nos planteamos las palabras
valorativas y relativas ya que en su sentido estrecho tienen diferencias
evidentes, dadas incluso por algunos pedagogos como son Victoria Elis
Rodríguez, Carmen Valdéz, entre otros, pero en su sentido amplio el pedagogo
musical Murray Schaffer da su criterio , distinto a los anteriores aunque
coincidan en determinados puntos. En
los primeros, el ruido y el sonido son polos opuestos, distintos, contrarios,
dadas sus características, ya que el sonido es la vibración regular de los
cuerpos que al producir sonidos y ser escuchados por nuestros oídos no son
desagradables, no molestan, no alteran el sistema nervioso, por el contrario,
son agradables. El ruido sí molesta, es desagradable, altera el sistema
nervioso, es feo al ser escuchado.
Sin
embargo, ¿por qué se dice que es relativo?. Pues porque a veces lo que para
unos es desagradable para otros no lo es. Algunos ejemplos fehacientes de esto
están en los sonidos y/o ruidos de los timbres de las casas, en algunos
relojes, etc.
Sin
embargo, el sonido musical si está bien definido ya que posee cualidades o
parámetros que los identifican y por los cuales se puede medir, tales como:
Altura o tono (dado
por sonidos graves o agudo).
Intensidad (sonidos
fuertes-suaves).
Duración (sonidos
largos-cortos).
Timbre (peculiaridad
que permite distinguirla voz de las personas y los sonidos de cada
instrumento musical).
La
metodología que se utiliza para desarrollar la audición es la siguiente:
1.
Preparación psíquica del oyente (ejercicios de relajación, concentración,
etc.). 2.
Información sobre la obra (autor, estilo, etc.). 3.
Objetivo de la audición (aquí se da la guía de lo que se quiere extraer de la
audición). 4.
Ejecución de la audición. 5.
Valoración de lo escuchado (si gustó, qué sugirió, etc.).
Del
componente ritmo tenemos las formas expresivas y los elementos constitutivos: ·
Formas expresivas: 1.
Percusión corporal. 2.
Práctica instrumental. 3.
Ritmo en el lenguaje.
Elementos constitutivos del ritmo: 1.
Pulso. 2.
Acento. 3.
Esquema rítmico.
Metodología para la enseñanza del ritmo.
Presentación del
modelo (por parte de la educadora). Reproducción del
modelo (por parte del niño). Ejercitación (del
niño).
Componente: canto.
Métodos para la enseñanza del canto:
Global (para
canciones de textos pequeños). Por fase (para
canciones de textos largos y complejos).
Metodología para enseñar una canción:
Audición de la obra. Datos informativos
que hacen falta (género, autor, título, etc.). Análisis del texto
(palabras con dificultad). Volver a escuchar si
es necesario. Relajación,
respiración y vocalización. Trabajo con el ritmo
en el lenguaje. Montaje de la melodía
con uno de los métodos. Ejercitación
(dramatizar, corporizar, pintar, etc.).
Técnica vocal:
Una
adecuada técnica vocal conlleva a la ejecución correcta del canto: Posición correcta del
cuerpo al cantar (de pie o sentados). Posición de la boca
en forma de O. Apoyar la lengua
ligeramente detrás de los dientes inferiores. Elevar el velo del
paladar.
